• 전시제목 : 2012 헨켈이노아트 프로젝트

　　　　　2012 Henkel InnoART Project

　　　　　- 순간의 접착 Bond the Moment

• 전시기간 : 2012년 3월 29일 목 ~ 5월 24일 목

• 관람시간 : 11:00 AM ~ 8:00 PM

• 장소 : 대안공간 루프

• 주최 : 헨켈, 대안공간 루프

• 후원 : 한국문화예술위원회

• 홈페이지 :http://www.henkelinnoart.co.kr

• 오프닝 리셉션 : 2012년 3월 29일 목 6:00 PM

모든 분자는 서로를 끌어당긴다. 하지만 지나치게 가까워질 경우, 반대로 타자를 밀어내기도 한다. 말 그대로 적당한 거리가 서로에 대한 명확한 인식과 궁극적 이끌림을 가능케 한다는 것이다. 또한 이러한 분자인력은 강력할수록 분자들의 움직임이 억압 받는 고체 상태를 만들어내며, 반대의 경우 분자의 자유로운 방랑을 허락하는 기체의 상태를 생성해낸다. 하지만 그 떠돎이 가능해지는 것 역시 분자 사이에 끌어당기는 힘, 인력이 있기에 가능하다. 그 힘이 부재할 경우, 세계는 불균형과 혼돈으로 차오르며, 그로 인해 자유로운 움직임은 방해를 받기 때문이다. 이에 더해 또 하나의 흥미로운 사실은, 한쪽의 존재가 다른 쪽보다 크거나, 힘이 셀 경우, 다른 한쪽의 존재감은 상대적으로 흐릿해진다는 것이다. 그리고 우리는 분자의 세계보다 거대한 인간의 세계 안에서도 이와 유사한 법칙을 발견하게 된다.

미국의 저명한 여성 정치철학자, 웬디 브라운은 《관용》이라는 저서에서 미국을 포함한 서구 권의 통치 담론 중 하나인 ‘관용’이 지니고 있는 모순과 한계를 지적한 바 있다. 그녀의 말에 따르면, 대외적으로 관용은 차이를 인정하고, 더불어 모두 잘 살 수 있는 가장 인류애적이고도 낭만적인 방법론인 것처럼 등장했으나, 실제로 이를 표방해온 이들은 강하고 거대한 자아를 부정하지 않았으며, 결국 타자들이 지니고 있는 차이성을 ‘관용’이라는 단어를 통해 은유적으로 드러냈다는 것이다. 고로 관용이라는 것 역시 거짓이자 위선일 수밖에 없다는 것이다. 이후 브라운은 ‘민주주의’를 표방했으나, 결국 차이와 불평등을 양산함으로써, ‘민주주의’를 파괴하고 만 ‘신자유주의’에 대해 말하였는데, 이의 원리 또한 이와 크게 다르지 않다.

위의 두 단락을 통해 우리가 알 수 있는 사실은 진정한 의미에서의 공존과 공존하는 이들의 수평적 소통은 일정한 거리 두기와 비슷한 힘의 발휘를 통해서만 가능해진다는 것이다. 그리고 물론 이에는 공존의 기간 동안, 그 누구도 일방적으로 변질되거나 희생되어서는 안 된다는 규칙 또한 숨어있다.

우리는 2012 헨켈 이노아트 프로젝트를 통해 이상적인 ‘공존’의 순간을 제시하고자 한다. 화학적 상호작용을 일으켜 결합하는 접착제의 경우, 서로 다른 물체의 부분을 녹이고, 서로의 존재에 개입하면서 하나가 된다. 그리고 이러한 접착의 방식은 여러 관계망 속에서 우리가 지금껏 행해왔던 ‘소통’과 ‘매개’의 방식과 유사하다. 반면 우리가 시도하려는 접착은 서로의 부분을 변형시키지 않고, 사물 자체를 단시간에 붙여 놓는 것을 의미한다. 우리는 이번 프로젝트에서 이처럼 타 존재 자체를 수용하고, 이해하면서, 순간적으로 접착하는 방식을 도입하고자 한다. 여기서 중요한 것은 ‘접착의 상태’가 아니라 ‘접착의 시도’이다. 이는 여러 차원의 결합을 통해 가능해질 것이다. 이를 테면, 기업과 예술계, 교육계와 미술계, 서로 다른 장르, 서로 다른 연령대가 결합하면서 만들어내는 모종의 ‘충돌’, 그것들의 순간이 결합되어 만들어내는 새로운 실험적 예술의 장이 여기에서 펼쳐진다는 말이다. 기업과 예술계의 결합의 경우, 기존의 일방적 기여방식에서 벗어나 공유하고 소통함으로써 점차 완성되어가는 발전적 방식을 제시하게 될 것이며, 학계에 몸 담고 있으면서 예술활동을 펼치고 있는 작가들은 이들 사이의 간극과 차이를 동등한 방식으로 구현하여 새롭게 드러내 줄 것이다. 또한 작가들의 서로 다른 작업들은 나열이 아니라 변형과 훼손 없이 접착되어 - 실제로 모든 접착의 상태를 그 안에 무수한 빈 공간을 보유하고 있다. 고로 접착은 서로를 훼손하며 온전한 하나가 되는 것과 다르다 - 시각적 쾌를 양산할 것이다. 우리는 여기서 지루한 이해와 소통의 방식 그리고 그것을 추구하면서 부수적으로 발생되어온 불평등과 차별을 지양할 것이다. 여러 사람이 지적해온 것처럼, 우리는 무의식적으로 나와 다른 것을 보며, “다르다”고 하지 않고, “틀리다”고 하는 경우가 많다. 그리고 누군가가 또 지적한 것처럼, 이에는 무의식적으로 나와 다른 것을 잘못된 것 혹은 부정적인 것으로 보는 것일 수도 있다. 이번 프로젝트의 목적은 그 ‘다름’을 있는 그대로 인정하는 것이며, 이러한 토대 위에서 빈 공간과 거리를 두고 서로를 바라보는 것이며, 그 진정한 가치를 찾아내어 예술적 언어로 발현하는 것이다.

대안공간 루프 큐레이터 김지혜

All molecules attract each other. However, they pull away from each other when drawing too near. This signifies that keeping a moderate distance is crucial for molecules to clearly recognize and ultimately be attracted to each other. As this molecular force intensifies, it forms a solid state where the movement is constrained due to high density. If the molecular force eases, it creates the state of gas that allows molecules to freely wander. What must be taken into consideration is that the force again enables them to wander. Without the molecular force, that world will be filled with disorderliness and confusion and hinder the movement. What is also noteworthy is that a molecule of bigger size or force makes a smaller or weaker molecule appear relatively insignificant. Astonishingly, society, much larger than the world of molecules, is also influenced by this principle.

Wendy Brown, noted political philosopher of the US, once pointed to the limitations and contradictions of tolerance, which is one of the governing discourses of Western civilization, in her book entitled Tolerance. According to Brown, tolerance may appear as though it is the most humanistic and romantic methodology that recognizes discrepancies between individuals and promotes co-prosperity. In fact, those advocating the concept did not deny the strong, massive ego. It was no more than a metaphoric expression of discrepancies found with others. Therefore, tolerance can only be a lie and hypocrisy. Brown then goes on to touch upon neoliberalism, which at first claimed to support democracy but ended up destroying it by creating discrepancies and inequalities, and stresses that tolerance is not much different.

The above two paragraphs tell us that co-existence in its true sense and horizontal sharing and communication become possible only through the display of a force similar to the manner of keeping a moderate distance. Behind this lies a rule that no one should be transformed or taken advantage of one-sidedly while co-existing with one another.

Through the 2012 Henkel InnoART Project, we aim to introduce ideal examples of co-existing and sharing with other beings. An adhesive that bonds one object to another by means of chemical action melts and interferes with the objects until finally the two are merged into one. This type of bond is similar to our usual way of communication and interaction used to build relationships with others. However, the bond we are trying to achieve through the project involves combining the object and the adhesive instantly without altering or distorting any part. The goal of the project is to introduce this instant bond that allows for the acceptance and understanding of other beings. What is important here is not ‘the state of bond’ but ‘the endeavor to achieve a bond’, which will be accomplished through cooperation on many levels. For example, a sort of collision generated by the combination of a corporation and an art community, an education community and an art community, two different genres, or two different age groups and a new type of experimental art created from such combinations are to be put on display. As for the combination of a corporation and an art community, it will break free from the existing mechanism of one-sided donation and move forward to form a more advanced system centered on sharing and communication. Artists, who are also part of the education community, will employ new methods to bring attention to the gap between the two sides. Different professions of artists will not merely be paraded but bonded to each other without being transformed or damaged – in fact, two objects bonded together retain a considerable amount of empty space within. Therefore, this bond will not damage objects and merge them into one – and work to create a visual pleasure. We will ensure to avoid inequalities and discrimination that were the by-products of the pursuit of an unpleasant communication method. As frequently pointed out, many of us incorrectly use the word ‘wrong’ in place of ‘different’. We often subconsciously think that what is different is wrong or negative. The purpose of this project is to recognize the state of being different as is, to demonstrate the importance of keeping a moderate distance from others based on this recognition, and finally express the underlying value through an artistic language.

Jihye KIM, Alternative Space LOOP Curator

슬기와 민, 프릿 페인트볼 클래식 컬러 세트에 영향받은 현대적 구성의 연습 5부 Exercise in Modern Construction, Part 5, Affected by Pritt PaintBall Classic Colour Set, 2012 Site-Specific Installation: Masking Tape on the Wall, Various Dimensions by Solomon R. Guggenheim Foundation, New York, 2011

슬기와 민, 프릿 페인트볼 클래식 컬러 세트에 영향받은 현대적 구성의 연습 5부에 영향받은 자기 초상 Self-Portrait, Affected by Exercise in Modern Construction, Part 5, Affected by Pritt PaintBall Classic Colour Set 2012, Site-Specific Installation: Custom-Made Jackets, Adhesive Vinyl, Existing Screws on the Wall, Various Dimensions

윤동천, 만나다 1 (Junction 1), 2012, C-Print, 100×70cm

윤동천, 전시전경, 2012, Installation View

홍성민, HenkelHenckel, 2012, Video, Installation, Various Dimensions

홍성민, HenkelHenckel, 2012, Video, Installation, Various Dimensions

• 전시기간 : 2012년 2월 9일 목 ~ 2012년 3월 17일 토

• 관람시간 : 11:00 AM ~ 8:00 PM

• 장소 : 대안공간 루프

• 주최/기획 : 대안공간 루프

• 후원 : 한국문화예술위원회

• 오프닝 리셉션 : 2012년 2월 9일 목 6:00 PM

동양의 관점으로 바라보면, 우리의 삶은 인과율로 덮여 있다. 즉 모든 만남과 사건에는 원인과 결과가 존재한다. 그리고 그것은 궁극적으로 관계와 인연을 만들어낸다. 모든 존재는 타자와의 관계 속에서 존재할 수 있으며, 특히 우리의 육신이 영혼과 결합해 생존하는 현상계에서 더욱 그러하다. 고로 이 세계는 인연이 거미줄처럼 얽혀 있는 인드라-망이라고 말할 수 있을 것이다. 그리고 이러한 모종의 법칙을 불교에서는 연기(緣起)라고 한다.

흥미로운 사실은 이러한 법칙이 지금 이 시대에도 통용되고 있다는 것이다. 이미 많은 자가 말해왔듯, 포스트모더니즘에서 관계는 매우 중요한 요소로 작용하고 있으며, 그로 인해 중심과 주변은 수직구조가 아닌 수평구조로 재편성될 수 있었다. 이는 비단 인간과 인간 사이에서만 적용되지 않는다. 아니 인간과 비-인간 그리고 시간 혹은 공간에까지 확장되어 있다. 그리고 특이한 점은 이러한 원리에는 동양의 사상 그리고 불교의 교리와 유사한 점이 있다는 것이다. 나는 이진한의 작업에서 이질적인 공간인 하나의 레이어와 또 다른 레이어가 그리고 이질적인 시간인 과거와 현재 그리고 미래가 이처럼 수평적 관계 속에 공존하고 있는 광경을 발견할 수 있었다.

포스트모더니즘의 출현에 공헌한 데리다의 경우, 시간과 공간의 개념을 규명하면서, 공간은 이질적인 것을 동시에 존재하도록 하는 시간과 ‘짜여 있는 것(com-plicity)’이라고 했다. 그리고 이렇듯 동일성을 깨뜨리는 이질성을 ‘간격(interval)’이라 불렀다. 이진한의 작업에서는 이러한 ‘간격들이 동시에 펼쳐지면서 새로운 수평적 관계를 만들어내는 일종의 사건’이 드러나고 있다. 물론 그 간격은 공간뿐만 아니라 시간에도 해당된다. 작가는 “최근 작업에서 레이어 사이의 불편하고 상이한 관계를 연구하는 데 초점을 맞추고 있다.”고 말한 바 있다. 그리고 이는 아마도 동질성으로 규명된 공간(캔버스)과 시간(현재) 위에 이질적인 것들을 공존케 하는 데서 발생한 듯하다.

또한 이진한의 작업에서는 의도적으로 이질적인 것들을 생성하고 화해시키는 장치들이 곳곳에 부착되어 있다. 이를 테면, 배경 위에 마스킹 테이프를 부착한 채 그 위에 덧칠을 하고, 기존의 테이프를 제거하면서 배경이 바깥으로 드러나 다른 형상들과 공존하게 되는 것이라든지, 과거 초현실주의자들이 사용하던 드리핑 기법 등의 자동기술법을 폭넓게 활용하면서, 평면 위에 물감의 부피만큼 생겨난 또 다른 레이어가 또 다른 우연적인 관계를 형성하게 되는 것이 그러하다. 이러한 방식으로 그녀의 페인팅에는 물리적인 레이어들이 탄생하였다. 그리고 이렇게 생성된 이질적인 공간들은 마찰과 충돌의 시간을 극복하고, 서로의 존재를 인정하고 이해하는 과정을 거치면서, 결국에는 타자로 인해 현-존재를 공고히 하는 단계에까지 이르고 있다. 이러한 해체와 공존 그리고 새로운 관계성을 양산해내는 것은 시간의 차원에서도 반복되고 있다. 현재 이곳에서 완성되는 그녀의 작업들에는 과거 르네상스의 원근법과 모더니즘 추상회화의 속성이 공존한다. 이러한 행위는 현재를 해체하여 과거가 현재로 흐를 수 있도록 하는 것으로 보이며, 나아가 현재의 행위가 미래로 흘러가도록 하는 것으로도 해석할 수 있을 것 같다. 데리다의 시간과 공간의 개념처럼 그리고 불교의 연기설처럼 말이다. 이는 앞에서 말한 것과 반대로 규정되어 있는 하나의 공간이 이질적인 시간을 얽어 매는 것으로 볼 수 있을 것이다. 여기서 우리가 주의해야 하는 것은 ‘얽어 맨다는 것’은 존재를 훼손하지 않으면서, 공존케 하는 방식이라는 것이다.

그린버그의 모더니즘 회화론은 오직 회화적인 것으로 회화를 말하는 데 중점을 두었다. 하지만 이미 ‘작품 속에 내재해 있는 환영의 요소’와 ‘평면성의 불가능성’에 부딪혀 좌절된 바 있다. 이진한의 작업은 의도적으로 이러한 평면성을 거부하고, 페인팅 안에 새로운 레이어들을 구축하고 드러내는 데 집중되어 있는 듯하다. 하지만 모순적이게도 이러한 방식은 그녀의 작품에서 새로운 회화성에 대한 고민을 하도록 한다. 데리다의 말처럼, 순수함은 오염된 것에 의해 규명될 수 있으며, 기원은 흔적에 의해 상상되고 추측될 수 있기 때문이다. 즉 이 말은 반-회화적 요소들로 인해 진정한 회화의 속성에 대해 고민케 한다는 것이다. 물론 이는 동양인이라는 작가의 아이덴티티와 이방인으로서 서양미술사를 읽어온 시간으로 가능해졌을 것이다. 데리다의 이론이 종종 동양사상과 연결되어 해석되어왔다고, 그의 사상의 기반이 동양에 있을지도 모른다는 상상을 하는 것은 매우 위험한 일이다. 그리고 실제로 그는 단 한 번도 이에 수긍한 바가 없다. 하지만 그럼에도 불구하고 데리다의 해체론을 동양사상에서의 관계성에 대한 것과 불교에서의 연기설과 연결하여 보는 것은 무리한 시도는 아닌 것 같다. 그리고 데리다의 해체론에 매우 입각해 있으며, 관계성에 대한 동양사상의 이야기가 매우 적용되고 있는 이진한의 작업은 고로 어떤 면에서는 서구화되어 있으나, 그 저변에 존재하는 동양적 관념을 매우 강하게 드러내고 있다고 볼 수 있을 것 같다. 고로 우리는 그녀의 작업을 통해 포스트모더니즘 시대의 새로운 회화의 요소와 관계성 그리고 동양성에 대해 생각해볼 수 있을 것이다.

대안공간 루프 큐레이터 김지혜

From the standpoint of Eastern philosophy, life revolves around the principle of causality. Every encounter occurs as cause and effect react upon each other, and each encounter ultimately generates ties and relations. All members of the universe exist within mutual relations, especially in the psychophysical phenomena. The psychophysical phenomena may be said to be Indra’s net, which symbolizes a mutually interdependent web of cause and effect. This general truth is called dependent origination in Buddhism philosophy.

What is noteworthy is that this truth still universally applies in today’s world. As many philosophers in history maintained, mutual relations are the key to the understanding of post-modernism. Interdependence and mutual relations are what enable the central and surrounding components to be realigned horizontally, not hierarchically. Not only relations between human beings, but also inanimate objects, time, and space fall within its orbit. An interesting turn is that this truth displays many similarities to Oriental philosophy and Buddhist doctrines. I discovered in Jinhan LEE’s work the landscapes where disparate spaces and disparate frames of time (past, present, and future), layer by layer, co-exist and form horizontal relations.

According to Jacques DERRIDA, a French philosopher and contributor to the advent of post-modernism, space is interwoven with time that allows disparate individuals and objects to co-exist simultaneously. He referred to this disparity that upsets identity the “interval”. LEE’s work renders a sort of “event” that unfolds by laying out such “intervals” all at once and creating new horizontal relations between them. Of course, these intervals involve both space and time. The artist states, “The main explanation of my current paintings is the awkward and strange relationship between layers.” She makes this possible by rendering objects of disparity on the space of identity (the canvas) within the frame of time of identity (the present).

What is more, the devices that intentionally generate disparate objects and create a harmony among them are found in different corners. In one painting, the artist has covered the background with masking tape, painted over it, and removed it to make the background stand out and encompass the other objects at the same time. In another piece, she has made an extensive use of the “drip style” often employed by surrealist painters in the past. She has created an array of physical layers using this technique and allowed each layer of paint drippings to form accidental relations with another. Disparate spaces generated on the painting work to wade through frictions and conflicts, recognize and understand each other’s existence, and finally arrive at the stage of reinforcing their presence through mutual relations. This process of deconstruction, acceptance of co-existence, and expansion of interdependence is repeated over disparate frames of time. Her paintings incorporate attributes of Renaissance perspective in combination with abstract modernist paintings. It may be translated as an attempt to deconstruct the present so that the past can flow into the present, and, going a step forward, so that the present can connect with the future, as stated by DERRIDA and Buddhist Philosophy’s idea of dependent origination. Contrary to the aforementioned, this can be viewed as space binding a disparate frame of time. What must be noted here is that “binding” indicates making co-existence possible without damaging the components within.

Clement GREENBERG’s ideas on modernist art concentrated on explaining a painting through the instrument of painting. However, he was held back by “illusions implicit in paintings” and “the impossibility of the plane”. LEE’s work appears to circumvent the limitations of the plane and remain focused on constructing and unfolding new layers. Ironically, such an approach motivates the audience to discover a new representational method and ponder its significance. As DERRIDA said, the purity can be measured against something tainted, and the origin can be conjectured through traces and remains. In the same manner, non-pictorial components can serve as an instrument by which the true attributes of a painting are highlighted. The artist’s ethnic background as an Asian and her dedication to the studies of Western art history as a non-Westerner also add to her work’s identity. It is dangerous to assume that DERRIDA’s ideas stem from Eastern philosophy just because the two are frequently linked together. In fact, DERRIDA has never agreed with such an assumption. However, it does not appear to be far-fetched to try to find similarities between DERRIDA’s deconstructionism, mutual relations of Eastern philosophy, and dependent origination of Buddhist philosophy. LEE’s artworks, reflective of both deconstructionism and mutual relations, displays the features of Western art to some extent while at the same time revealing the powerful underlying base of Eastern concepts. LEE’s work provides us the opportunity to reflect upon how the new components of post-modernist art are influenced by mutual relations and Eastern philosophy.

Jihye KIM, Alternative Space LOOP Curator

Supersaturation, Oil, Acrylic, Gouache, Glitter and Masking tape on Canvas, 200×250cm, 2011

Landscape with a Spiderman 1.3, Acrylic and Oil on Linen, 227×182cm, 2011

Landscape with a Spiderman 2.3, Acrylic, Oil and Sticker on Linen, 227×182cm, 2011

Landscape with a Spiderman 3.3, Acrylic and Oil on Linen, 227×182cm, 2011

Yellow Submarin, Oil on Linen, 200×250cm, 2011

Landscape without Super Mario, Oil, Acrylic, Gouache and Glitter on Canvas, 200×250cm, 2011

최대진 작가와의 대화

● 일시: 12월 8일 목요일 오후 3시

● 장소: 대안공간 루프 지하 1층 전시장 

Artist Talk: CHOI DAE JIN

● DATE: 8th of December, Thursday 3 PM

● VENUE: Alternative Space LOOP B1  

• 전시기간 : 2011년 11월 24일 목 ~ 2011년 12월 25일 일

• 관람시간 : 11:00 AM ~ 8:00 PM

• 장소 : 대안공간 루프

• 주최/기획 : 대안공간 루프

• 후원 : 한국문화예술위원회

• 오프닝 리셉션 : 2011년 11월 24일 목 6:00 PM

• 작가와의 대화 : 2011년 12월 8일 목 3:00 PM / 루프 지하 1층 전시장

“모든 예술은 어느 정도 프로파간다이다.” 인간의 권력과 그에 대한 욕망을 신랄한 문체로 고발했던 조지 오웰의 말이다. 물론 그였기에 할 수 있었던 말이지만, 이 말에는 상당한 일리가 있으며 지금 이 시대에도 적용할 수 있는 여지가 있다. 더욱이 ‘선전’의 의미를 더는 집단적 의미로 해석하기 어려운 때가 되었으니 말이다. 사람들은 예술의 기원을 따질 때, 어김 없이 ‘주술적 의미’를 든다. 그리고 여기에 최초의 프로파간다가 함유되어 있음을 부인하지 못한다. 16세기 로마에서 처음으로 등장한 ‘프로파간다’는 나열된 단어들 속에서 해방되어 ‘신앙을 전파하는 메시지’를 뜻하는 하나의 고유명사가 되었으며, 인간사의 우여곡절을 겪어내며 결국 포괄적인 일반명사가 되었다. 그리고 그것 안에서 방점을 찍던 집단성이 그 무게를 덜어냄으로써 보다 더 포괄적이고 보편적인 단어로 화했다.

우리는 현재 우리가 목격할 수 있는 인류 최초의 예술행위들 속에서 프로파간다를 발견할 수 있으며, 단적으로 그것을 드러내는 작품으로 고대 벽화를 말할 수 있다. 거친 필선과 치졸한 표현법 거기에다 당대에 약속된 상징성을 드러내는 형상 혹은 문자들의 나열. 이러한 벽화는 가장 이해되기 쉬운 방식으로 그려졌고, 또한 전달되었다. 그리고 그 장르의 특성으로 멕시코에서는 하나의 운동으로 발전하였으며, 지금도 수많은 익명의 예술가에 의해 새로운 프로파간다를 전달하는 생생한 수단으로 활용되고 있다. 이러한 기나 긴 시간을 통한 이해 덕분일까? 작가 최대진의 벽화와 드로잉 작업에서는 매체와 메시지가 일치되는 경험을 하게 된다. 이는 작업 자체를 노동으로 해석하는 작가의 의지가 발현된 타이틀 ‘Human Work’에서도 마찬가지이다.

우선 최대진의 작업을 해석할 때 가장 먼저 상기하게 되는 것은 칼 마르크스와 한나 아렌트의 ‘노동에 대한 생각들’이다. 작가가 ‘노동’에 대해 지니고 있는 견해는 마르크스의 ‘노동과 소외’의 문제와 일견 유사해 보인다. 우선 예술가가 창조한 작품에 대한 해석은 관객의 몫이 된다는 것이 그것이며, 여러 예술인으로 하여금 창작 행위를 가능토록 하는 동인이 외부에 존재하고 있을 가능성이 높다는 것이 두 번째이며, 창작 행위 자체가 순수한 쾌를 부여하지 못한다는 것이 세 번째 이유이다. 그리고 여기서 한나 아렌트의 견해를 빌리자면, 예술가가 행위하는 ‘제작인’으로 인정받지 못하고 노동하는 ‘동물’로 취급될 때, 부분적으로 느끼고 있던 고립 상태는 고독감으로 발전한다는 것 또한 그러하다. 결국 아렌트는 이러한 고독이 대중으로 하여금 전체주의를 요청하였으며, 강한 독재자의 등장을 초래하는 계기로 작용하였음을 역설한 바 있다. 이러한 내용들은 최대진의 작업 속에서 뫼비우스의 띠처럼 원인과 결과가 서로 맞물리는 상태로 등장하고 있다.

인간은 생존하기 위해 노동하는가? 노동을 위해 생존하는가? 노동의 소외 문제가 본격적으로 대두된 이후부터 이 문제는 지금까지도 명확한 해답을 얻지 못한 상태로 남아 있다. 그리고 인간은 집단 속에 머무르며, 하나의 원자로 행위하기를 원하는가? 또렷한 개체로 탈출하기를 원하는가? 역시 마찬가지이다. 이번에 그가 보여주게 될 작업들을 대표하는 이미지로 볼 수 있는 전쟁 이후의 카셀의 풍경에는 전체주의의 모순이 단적으로 표출되어 있지만, 그 안에는 그러한 거대 사건을 가능케 한 개인들의 인정에 대한 욕망 역시 드러나고 있다. 그리고 우리는 시대적 사건을 새롭게 해석하고 작품에 반영하는 이가 그 시간과 공간으로부터 분리되어 있는 작가라는 사실을 이미 알고 있다. 하지만 이러한 괴리감은 현재 이곳에 살아가는 우리로 하여금 그의 작업을 통해 역사와 사건 그리고 지금껏 영향력을 행사해오고 있는 여러 요소에 대해 새롭게 고민하고 의미 부여하도록 하는 요인이 되어주고 있다. 어찌 보면, 악셀 호네트의 말처럼 인정에 대한 욕망이 개인을 집단 속으로 걸어가도록 하며, 그 안에서 역사를 뒤흔드는 거대한 사건을 만들어낸 것인지도 모르겠다. 결국 최대진의 ‘Human Work’는 지극히 개인적인 노동으로부터 시작되어 인류의 거대한 사건에 이르는 포괄적인 이야기들을 지극히 개인의 시각과 감성으로 필터링하여 세상에 내어놓은 한 편의 서사시로 볼 수 있을 것이다.

대안공간 루프 큐레이터 김지혜

“All art is propaganda,” said George ORWELL, who authored many biting satires centered on a struggle and desire for power. His insight is true and more than applicable to today’s society, especially now that it has become difficult to interpret propaganda in a collective sense. People without exception highlight the shamanistic aspect of art when trying to trace its origin. Undeniably, it was humankind’s very first form of propaganda. The term propaganda, which came to be used in the 16th century Rome, was at first a proper noun that referred to “the message spreading the faith”; it later became a common noun as it underwent twists and turns of history. With its singular collective connotation removed, it was transformed into a more comprehensive, universal word.

We can discover traces of propaganda in early forms of art, and the example that readily comes to mind is the ancient mural. Ancient murals are characterized by rough strokes, crude representations, and rows of symbols or pictographs standing for words. Such murals were always created in the most straightforward and simple manner for the audience to capture their messages easily. That is why there occurred a movement among Mexican artists to employ murals as a means to convey propaganda; an increasing number of anonymous murals still appear throughout the nation to this day. Artist CHOI Dae Jin also seems to be grasping a clear understanding of such attributes, and, probably for that reason, his murals and drawings serve as the perfect media for the messages he intends to deliver. ‘Human Work’, the title of the new collection and a reflection of the artist’s interpretation of work as labour, adds to the impact.

CHOI’s work reminds the audience of the reflections of Karl MARX and Hannah ARENDT on labour. The artist’s viewpoint on labour appears somewhat similar to MARX’s theory of alienation in labour for the following three reasons: first, it is up to the audience to freely interpret the creations of an artist; second, the drive that enables many artists to create art is highly likely to come from the outside; and third, the act of creation itself fails to provide pure pleasure. As Hannah ARENDT said, the sense of isolation partially felt by artists develops into solitude when they are treated as “animals that labour”, not as “creators of art”. ARENDT once argued that such solitude instigated the public to succumb to totalitarianism and triggered the advent of dictatorship. Such arguments appear in CHOI’s work, forming the Mobius strip with the cause end joined together with the effect end.

Does humankind labour to subsist or subsist to labour? This question has never been clearly answered since the issue of alienation in labour was brought forward in full scale. Does humankind desire to remain part of a group and behave as a single atom, or to break free and stand as an independent being? This question is yet to be answered, too. The landscape of war-stricken Kassel, which can be considered a representative piece of his works, not only symbolically highlights contradictions of totalitarianism, but also reveals the human desire for recognition, which incurred such a catastrophic turn of history. We are already aware of the fact that the artist, completely unconnected to the time and space being portrayed, is the one reinterpreting that historic event and reflecting the result on his artwork. However, such a gap encourages the spectators of the present day to take a new approach towards familiar historical events and many elements influencing society to this day and impart a new meaning. As Axel HONNETH once remarked, the desire to be recognized by others may have driven individuals to join and stick to a larger group and thus have given rise to such a shattering, violent event. In short, CHOI’s ‘Human Work’ is an epic, which illustrates a long series of events from highly personal labour to historic moments filtered through the artist’s exceedingly personal perspectives and beliefs.

Jihye KIM, Alternative Space LOOP Curator

Installation View, 2008, Museum of Contemporary Art, Lyon

Panmunjom, 2009, Mixed Media, 130×28x45cm

Installation View, 2009, Museum of Contemporary Art, Saint-Yenne

Installation View, 2010, Metropolis Gallery, Paris

Installation View, 2011, Louvre Museum, Paris